适用之美，还是“无用之美”？

编辑：目刻时光

来源：有书至美

19世纪的许多美学家和艺术家都主张“无用之美”，“为艺术而艺术”以至一度成为美学运动的主张。美和适用能够共存吗？

事实上，柏拉图在《理想国》中就表示“美和适用之间不是完整对立的”。装饰艺术汇合了除建筑、绘画和雕塑之外一切以适用装饰为目的的艺术，从日常运用的小物件到剧院的装潢，《欧洲装饰艺术史：从文艺复兴到20世纪的装饰作风、式样及工艺演化》一书收罗了大量精巧的装饰艺术品插图，与细致的描画相分离，承认了过去的历史学家和艺术理论家的观念。

这只是一个浅尝辄止的体验，为了让读者近距离从工艺、产地、时期及其多样的作品中品味一段历史，一段展示人们对资料、手工艺和工作室的奇妙的探求，以及记载创作者和喜好者的激情的历史。这段旅程中布满了烧窑工艺、木艺、织物和金属工艺的绝妙作品。旅程行将终了之时，你记住了什么？或许首先，欧洲装饰艺术史是树立在不时对话的基础之上的；其次，它是一段具有连续性的、充溢变更的历史；最后，它是富于激情的男性和女性的历史，他们当中既有创作者也有珍藏者。

适用之美

《欧洲装饰艺术史：从文艺复兴

到20世纪的装饰作风、式样及工艺演化》

[法] 索菲·穆金

[法] 阿涅斯·博斯

[法] 萨利玛·希拉尔

2023年1月

华中科技大学出版社-有书至美

“适用之美 ”这一表述初次出往常1866 年出版的《工业应用艺术中央联盟简史》（Histoire sommaire de l’Union centrale des Beaux-Arts appliqués à l’industrie）中。这一观念也贯串了整个思想史的哲学争辩。19世纪，许多人都主张“无用之美”。泰奥菲尔﹒戈蒂耶（Théophile Gautier，1811—1872年）在1835年发表行动：“美只存在于无用之物中，一真实用之物都是丑陋的，由于它反映了人类的某种需求。人类的需求就好像自身那不幸又残缺的天性一样，邪恶且令人作呕。”他也是“为艺术而艺术”观念的捍卫者。沃尔特﹒佩特（Walter Pater，1839—1894年）在给威廉﹒莫里斯（William Morris，1834—1896年）的一首诗所做的评论里也表白了相似的见地。“为艺术而艺术”成为了美学运动的主张，也是奥斯卡﹒王尔德（Oscar Wilde，1854—1900年），以及那些反对约翰﹒鲁斯金（John Ruskin，1819—1900年）的社会主义思想的英国作家们的共同信条。约翰﹒鲁斯金以为艺术应该效劳于道德或教育。19世纪末，许多意味主义者被“为艺术而艺术”的思想吸收，特别是斯特凡﹒乔治（Stefan George，1868—1933年），他极大地促进了该思想在日耳曼国度的传播。“为艺术而艺术”就是1892年出版的杂志《艺术之页》（Bltter für die Kunst）上的口号。

但艺术是存在于一切事物中的吗？戈蒂耶、佩特、乔治他们思索到装饰艺术了吗？美和适用能够共存吗？上文提到的争辩其实是不理想的，它请求有关美的概念必须求超越个人客观品味，且美和艺术之间的衔接是能够被定义的。柏拉图（Plato）在其著作《理想国》（République）中讨论了美和蔼的关系，他表示美和适用之间不是完整对立的。在明白了“美不外就是适用”的想法之后，柏拉图借由希庇阿斯（Hippias）和苏格拉底之口，在他的对话式著作《大希庇阿斯》（Hippias majeur）中总结道：“正如我们刚刚提到的，那些以为适用之物和能产生其他用处的物品中包含的美绝非是最美的想法，比以前的观念还要荒唐。”这场卓有成效的对话中充沛表示了希腊—拉丁式的传统，以至有时这一传统在其他关于美和适用之间的讨论中也很显著。例如，昆提利安（Quintilien）在《雄辩术原理》（Institution oratoire）中同样表示“真正的美和适用永不分别”。

《使徒行传：捕鱼神迹》挂毯草图，1515-1516年，意大利，粘贴在布上的纸面蛋彩画，320厘米×390厘米，伦敦，维多利亚和阿尔伯特博物馆。1515年，利奥十世教皇订购了一套挂毯，拉斐尔和他的工作室为此所作的草图有着特殊的意义，它让我们在看到巨大艺术家作品的同时，也看到了挂毯创作的过程。草图是反向创作的，由于编织过程会将整体的方向颠倒过来。挂毯的边沿没有出往常草图上，由于这是另外设计的。这些草图曾被切分红条状以供穿综工人运用。

《使徒行传：捕鱼神迹》挂毯，1517-1519年，布鲁塞尔，羊毛、丝、金属线，450厘米×370厘米，梵蒂冈城，梵蒂冈博物馆。梵蒂冈的《使徒行传》挂毯用于在节日时装饰西斯廷礼拜堂的墙壁下部，是所谓的“首幅”挂毯，也就是依据这些草图织造的第一幅挂毯。它们曾被多次再织造，那些取得庞大胜利的创作通常都是如此。

在这些古代哲学家之后呈现了两个对立的阵营：一方以为美抵消了一切的适用性，另一方则坚持以为适用是美的重要来源之一。经济自由主义之父亚当﹒史密斯（Adam Smith，1723—1790年）就属于后者伊曼努尔﹒康德（Emmanuel Kant，1724—1804年）则尝试经过区别技艺中的美学来处置这个问题。装饰艺术是有关技艺美学中最低的一层，而到了机械艺术其实曾经不属于美学的范畴了。到了20世纪，美和适用性依旧惹起了诸多哲学家们的争论。在法国，泰奥多﹒约夫罗伊（Théodore Jouffroy，1799—1842年）以为：“所谓的适用性抵消了美其实只是表象而已，实质上绝非如此。也就是说，适用性和美是能够在同一事物中并存的。一件物品在某一时辰能够既是适用的，又是美的，但这两种特质并非经过相同的方式表示出来。当我们觉得到了某个物品的适用性时，它并非不再有美感，而只是不再让我们觉得到美。”另一方面，在英国，人们听到的大多是适用和理性之美的捍卫者声音。约夫罗伊的观念很快得到了更普遍的认同。20世纪初，法国哲学家阿兰（Alain，1868—1951年）为这样的观念中止了辩护：“适用永远是第一位的，艺术家首先是工匠。像我们在老房子里看到的那样，装饰品依旧在发挥作用。美只在适用中开花。”一个是仅仅为了外观美观而设计的无用之物，一个是有着和其功用相匹配的方式、资料之美的适用之物，难道我们能够就此以为前者属于艺术，然后者是工匠制造的劣等物吗？

装饰艺术或对话的颂歌

装饰艺术是技术与文化对话的艺术。在我们研讨的时间范围内，向世界开放的欧洲是不同文化交流的中央。众所周知，东方对西方的影响在某些技术的吸纳与展开过程中发挥了决议性的作用。例如陶瓷就曾得益于文化交流的生机：控制着瓷器奇妙的中国、发明了圆满釉面工艺的伊斯兰教和作品、令人震动的日本都被欧洲陶艺师所推崇。这些作品以及创作被人模仿，人们努力探寻工作室的奇妙，有时还需求巧妙的外交兵略。我们大约在努力权衡为这几个世纪开辟道路的贸易和远征到底有多么重要。假如没有贸易公司的飞速展开促进了中国、日本、土耳其和南美洲的工艺品来到西方，这些工艺品就无法从杰出的技术和装饰改造中获益，而正是这些改造构成了它们的特性。而文化交流若不是被贸易促进，便是遭到科学调查的推进。对此，詹姆斯﹒库克（James Cook，1728—1779年）船长的飞行无疑具有决议性的意义，其重要水平以至超越了飞行带来的更多地图制图学和民族学方面的学问。在对悉尼﹒帕金森（Sydney Parkinson，1745—1771年）等他的远征同伴的画作中止研讨后，能够发现这些图样与装饰艺术创作者在几年之后采用的某些装饰之间存在明显的式样关联。因而，我们应该能够举出更多这种搬移、复制、模仿和共鸣现象的例子。

留念章寄存柜，1809—1819年，桃花心木、银，90.2厘米×50.2厘米×37.5厘米，纽约，大都会艺术博物馆。这件留念章寄存柜是埃及风潮的圆满例证，假如说其外形参考了阿波利诺波利斯一座神庙的外形，那么其装饰图样则是对法老时期的埃及的赞歌：圣甲虫、太阳圆盘、眼镜蛇和莲花。这件作品很可能是由拿破仑订购，并依据佩西耶的一幅草图制造而成的。它曾出往常维旺·德农的作品集中，伊德富神庙的图样启示了创作者。

彩色墙纸，约1760年，彩色墙纸，40.6厘米×22.5厘米，伦敦，维多利亚和阿尔伯特博物馆。这块来自林肯郡多丁顿大厅的彩色墙纸残片带有景色和变幻丰厚的装饰图案，展示了在英国盛行对“印花房间”的喜欢。

但是，或许正是在技术范畴，装饰艺术中固有的对话才最为明显。艺术家和工匠灵活地组合不同资料，发明出了分离多种工艺的作品。但在很长一段时间里，行会主义的逻辑限制了他们。工艺品圆满地表示了渗透性。镶嵌物品将硬石工艺或陶瓷工艺与金属或珐琅工艺分离在一同，并促进了宝石工匠、陶艺师、青铜器铸造工匠和金银匠等手工艺者之间的协作。这些作品的精致工艺能够与其精巧的装饰相媲美。家具常常也具有资料和技术相分离的特性。人们采用经过漆、瓷器、硬石、象牙、玳瑁、粗纹皮、珍珠母或镀金青铜烘托的木材能够发明出混合的作品，奢华的资料和工艺能够将这些物品转变为既能够观赏又能够运用的艺术作品。多亏了创作者，装饰艺术也与美术坚持着不时的对话。建筑师、雕塑家以至画家都进入了工艺品范畴。几个世纪以来，这一现象不时增加，成了作品创作的基础。这些作品阐明，消弭艺术各范畴之间严厉的分隔以及艺术与手工艺之间的对话能使创作愈加富于发明力。

作为一种对话艺术，装饰艺术促进了技术的互补，也消弭了行业之间以及艺术与手工艺之间的界线。在1776年出版的《艺术家辞典》（Dictionnaire des artistes）中，丰特奈修道院的神父提出了一个问题：“机械师不值得取得与那些以模仿艺术为目的的人同样多的赞颂吗1？”在本书这幅全景画行将收尾之时，我们也答应以肯定地回答这个问题。但是，这个问题需求认真了解。这里的“机械师”一词指的并不是工匠或“机械”艺术的发明者，而是“印刷工人、钟表匠、机械操作工”。这大大限制了该范畴，并赋予了这些创作者“共同以至不可思议的作品”一些优点，由于他们的创作具有科学性。帕斯卡尔﹒格里耶内（Pascal Griener）征引这位智者的话并剖析道：“学问的发明者和物品的发明者都是实验者。”

《 欧洲装饰艺术史：从文艺复兴到20世纪的装饰作风、式样及工艺演化》

集鉴赏性、珍藏性、学术性为一体的著作，全景式解读欧洲装饰艺术展开历史的精巧画册。

初次呈现5个世纪的装饰艺术展开史料，包含欧洲100余名巨大名家及工匠的600余件名作。

本书依照时间次第解说了从文艺复兴时期到二战初期的欧洲装饰艺术，对其作风的演化、式样的创新、资料的加工、技艺的进步、用处和功用以及买卖的展开和变更中止了全景式的解析。

作者罗列了600余件经典装饰艺术品，同时对与这些装饰艺术品有关的金属工艺（金银器等）、木材工艺（家具等）、烧制工艺（陶器、瓷器、玻璃、珐琅等）、纺织工艺（织锦、刺绣、服装等）以及纸质工艺（装饰绘画）等都做了全面的阐明。其中还诠氏缢珍藏者的作用以及知名创作者、工作室与工厂等易被忽视的主题。

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