编辑：目刻时光 来源：网络 关于康定斯基，你足够了解吗？ 他区别于其它艺术家的一个显著特性是：他是艺术家中为数未几的一位重要的艺术理论家，一个现代笼统艺术在理论和理论上的奠基人。《论艺术的精神》、《关于方式问题》、《点、线到面》、《论细致艺术》等论文，都是笼统艺术的经典著作，现代笼统艺术的启示录。 不论是视觉音乐的联觉探求，还是对总体艺术的综合理论，康定斯基都秉持着一种激烈的艺术本能来激起“内在的巨大驱力”，呼吁艺术家提升精神境地，并且将艺术推向了新的高度。 康定斯基：循环往复 纽约 古根海姆博物馆2021-2022 真正的艺术作品降生于‘艺术家’，那是一种神秘的、深邃莫测的、神奇的造物。它脱离了后者，取得了一种自主的生命，成为了一个人格，一个独立的主体，以一种灵性的气息为动力，成为真实存在的有生命的主体。 ——康定斯基 瓦西里·康定斯基被公以为主要的艺术创新者和绘画理论家。在二十世纪的头几十年，他是那些将非代表性艺术创作方式推向耐久效果的人之一。这位艺术家在这方面的作风演化与他的中央感和他所参与的社区密切相关。康定斯基从与艺术家、音乐家、诗人和其他文化生产者的有意义的交集中取得了深化的见解，特别是那些与他有着相同的跨国视野和实验倾向的人。一次又一次地衣锦还乡，他顺应了在德国各地、回到俄罗斯，最后回到法国的每一次搬迁——一切这些都是在他周围发作的社会政治骚动的背景下进行的。 在这次古根海姆博物馆的回想展中，康定斯基的作品以时间倒序展开，从他暮年的画作开端，沿着古根海姆博物馆的螺旋斜坡向上展开。他的作品并不是一条从再现到笼统的固定途径，而是 一个循环的途径，盘绕着追求一个主导的理想——对精神表白的激动——穿越耐久的主题。这就是康定斯基所说的艺术家的“内在需求”，在他对生活和工作的周期性重新定义中依旧是指导准绳。 在每一个转机点，康定斯基都会对他的环境做出反响，并开发出探求艺术精神的新措施。这些来自博物馆普遍的康定斯基藏品的绘画、水彩画和木描写阐明了一位艺术家的旅程，即便他探求了笼统方式的超凡潜力，他也不会完整丢弃表示方式或他自己作品的先例。 展览现场：
在参观展览时，你还能够倾听赞恩·鲁道夫(Zane Rodulfo)依据康定斯基的作品创作的歌曲，并倾听这位纽约艺术家和音乐家讲述他的创作过程。 笼统冒险——“颜色给予我激情” 自童年时期开端，擅长音乐与绘画的康定斯基就本能地被世间纷繁的颜色所吸收。在1913年的回想录《回望过去》中，康定斯基写道：“最初给我留下深化印象的颜色是奄奄一息的浅绿色，以及白色、胭脂红、黑色和黄赭石色。这些记忆能够追溯到我三岁的时分。” 莫奈的《干草堆》重新唤起了他对颜色的留恋与探求，然后，康定斯基逐步从明白的理想客体中抽离，转向笼统，“我历来没能下定决计运用来自某种逻辑而非地道理性的方式”，颜色、几何与构构成为他步入笼统绘画的探求工具，客体物象逐步转变为方式化的点、线和面。成书于1911年的《艺术中的精神》解释了他对颜色对位关系的研讨， 康定斯基以红橙黄绿紫蓝六种颜色为原色，推导出一个色环，六种颜色处在黑白二色的生死对比中。 绘制于1911年的《秋景》明显表示出康定斯基与景色的写实画风拉开了距离。画面中，山峰笼统为尖利的三角，村落只剩下粗略的剪影，草地与山丘隐没在蓝绿色的温和曲线中，画面的颜色在暖和的黄色与绿色之间抵达了调和。据康定斯基回想，对理想物体的摒弃始于一次偶发事情：一天夜晚，他在画室半明半暗的灯光下看到了一幅“有着难以描画之美的画作”，他只觉得到画面中的颜色与外形，而无法辨认细致内容。随后他发现这是自己的作品，只是被挂反了。他认识到“‘物体’破坏了我的绘画”，他开端放弃对所谓“客观”形态的颜色填充，转而强调颜色自身的表白方式。以此为契机，康定斯基将笼统派运动的发起归于自己的发现与创作：“是我第一个突破了描画存在物体的传统。我创建了笼统派绘画。我在1911年画了第一幅笼统派绘画。”
《秋景 Autumn Landscape》 71.5 x 99.3 cm 康定斯基的笼统派冒险更聚焦于“青骑士”时期（1911年—1921年）。慕尼黑的艺术家们在1909年成立了一个表示主义艺术团体，他们十分注重绘画中的颜色力气，康定斯基担任团体主席。“青骑士”是他与另一位团队开创人弗朗茨·马尔克共同启动的项目：“我们二人都喜欢蓝色，马尔克喜欢马，我喜欢骑士。”康定斯基对蓝色有着特别的喜欢，他以为“蓝色吸收人走向无限，能够激起人内在对纯真的追求以及关于超自然的盼望。当我们听到‘天空’这个词时，蓝色就是立马出往常我们眼前的颜色”。在康定斯基看来， 展览：”康定斯基：循环往复“展出作品（部分)：
听觉与视觉的叠加 ”于我而言，管乐器是傍晚时辰的表示，我能够明晰地觉得到。普通而言，艺术都比它一开端呈现的样子要有力得多，而且绘画能够表示出与音乐相同的力气。“—康定斯基 这些都成为康定斯基“联觉”理论建构的基础。 1910年，康定斯基观看了德国古典音乐巨匠理查德·瓦格纳的一场歌剧演出《罗恩格林》，在如痴如醉的听觉体验中，康定斯基将音乐中取得的心情与感受和自己脑海中的颜色与外形联络起来，线条在音乐中自动生成，狂野舞蹈，乐器的演奏让他想到一系列颜色，这便是音乐（听觉）与绘画（视觉）的通感。 康定斯基强调“图像——声音——情感”之间的互通，他将颜色与特定乐器的声音相关联，将方式和颜色变成不同乐器演奏的声音，例如，用小号或铜管乐“演奏”黄色，用巴松管表示深紫色；中提琴和暖和的中音是橙色的，大号和鼓激昂响亮应该是红色的，小提琴的声音唤起了绿色……即便如此，他依然看到了不同艺术门类之间的不可交流性，由于“ 不同的艺术不可能营造绝对分歧的内在情调，而且即便情调趋于分歧，在不同艺术的外在表示上也会有所差别”。
《印象三号 Impression III (Concert)》77.5 x 100 cm 他的第一幅“音乐油画”《印象3号》（上图）也称为《音乐会》，完成于1911年1月，当时音乐家阿诺尔德·勋伯格在慕尼黑演出的“无调性”音乐饱受争议，康定斯基听完后创作了这幅油画。画面左侧以简单线条勾勒出观众，右上方的黑色寓意钢琴，钢琴下方大面积浓烈的明黄色浪潮表示出音乐会现场的浓烈氛围，似乎音符自右上向左下方洋溢涌动。勋伯格对康定斯基的艺术有着重要影响，康定斯基真正意义上的第一件地道笼统作品《带一个圆圈的画》（下图）。就是与勋伯格在重复商榷中完成的。勋伯格以为艺术不是描画或意味，而是表示人类的精神。康定斯基以为勋伯格的音乐“ 引导我们进入一个不用耳朵听而是用心灵来体会的境地”，这与康定斯基追求的“内驱规律”不约而同。在《艺术中的精神》中他以钢琴为隐喻，谈到艺术家是弹琴的巧手，“他们经过敲击各种琴键组合，即艺术方式，旨在惹起心灵的各种共鸣。无须置疑，艺术方式的调和运用，必须求以人心灵的共鸣为目的，这便是内驱规律。”他一再强调这一规律在构成中的重要性，以为它是“实质的、普遍的规律，是独一纯艺术性的规范和规律”。艺术应当表示出人类内在的、共同的精神内核，他对艺术行为赋予绝对性的至高价值， “从技术上看，一切作品的产生相似于宇宙的降生——在各种乐器制造的紊乱轰鸣中最终发明出一种被称为天体音乐的交响曲。发明一部作品，意味着发明世界”。
▲ 康定斯基《带圆圈的画》 展览：”康定斯基：循环往复“展出作品（部分)：
精神共鸣 在包豪斯教书期间（1922年—1933年），康定斯基关注到视觉方式、颜色、触觉、温度、声音之间的联络，并且教导学生“精确地察看并精确地表示出事物的构成元素、张力规律，而非事物的外观”。他强调艺术家的内在要素对作品方式的决议性作用，将艺术作品的创作视为生命实质的一种完成，艺术家必须观照内心审美意象，抵达灵魂的震颤，进而构成不同感官之间的“共鸣宇宙”，完成视觉上的精神共鸣。经过笼统绘画的方式，康定斯基拆解或突破了客观世界的物质理想，转而以地道的绘画性，将宇宙复现为他以为的真正的理想，由于 “一切的事物都存在于理性之中，一切的物质——都是一种音调和一种活的精神”。于是康定斯基慢慢向“总体艺术品”靠拢，感知体验的通理性使得艺术门类彼此相通，感官的联觉具有一定的超越性，指向内在的精神共鸣。为了更好地完成这种精神共鸣，康定斯基以为不同艺术之间的组合拓展是必要的，契合他对通感体验的追求： “以不同艺术手段来表白同一种内在的情调，每一种艺术为该情调带来特有的特性，使之丰盈，胜过任何单一艺术。”例如他把诗歌与绘画和音乐并置，以为此三者是同根同源的，“ 每一幅真正的绘画都是诗”，都指向灵魂和直觉。从这个意义上讲，不同的艺术门类之间不存在实质壁垒。 展览：”康定斯基：循环往复“展出作品（部分)：
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