文 Article > 杨柳；图 Pictures > 木木美术馆 理查德·塔特尔（Richard Tuttle）正在北京木木美术馆举办在中国的首次个展，展览中涵盖了他近五十年创作生涯中的一百件作品。理查德·塔特尔的作品富有创新的地方在于他通常采用日常用品作为创作材料，呈现出纯粹的现代主义美学，无处不体现他“为生活而艺术”的追求。诗人和艺术家这两个身份在他身上的融合，使他成为一位诗意的革新者。
> 理查德·塔特尔个展“回赠”展览现场（Richard Tuttle: Introduction to Practice. Installation view），木木美术馆，2019年 诗意的美学 理查德·塔特尔以诗人式的敏锐去拓展人们对于世界的感触和理解。他的个展标题为“回赠”，这是因为他将近五十年的创作称为“一场旅程”，这是一种极富诗意的比喻，他期待这场“旅程”能给予观者回赠。他在展览的纪录片中说：“人们在这场展览中看到的，会是一场已发生的旅程，因为每个人都生活在一段旅途当中，他们的生活就像一趟旅途。当艺术家如此认真地记录一段旅程的时候，观众们会在其中找到或联想到自己旅途中的细微之处。”他希望回赠给年轻的艺术家以灵感，让他们在参观后能给自身的创作带来帮助；希望回赠艺术爱好者，让他们能收获丰富的艺术体验；希望藏家能在其中找到心仪的藏品；同时，这也是对塔特尔自己创作生涯的回赠，再一次重新面对自己的作品。
> 展览现场 塔特尔将艺术带入生活之中，让艺术介入了真实，切实地让观者感知生活之美，正如历史学家纳森·费恩伯格对塔特尔的评价：“他试图发现每一个平凡细节之美”。 观看理查德·塔特尔的作品时，确实如艺术家期待的那样，获得了朗诵诗歌般的美学体验。他的艺术作品更关注的是艺术形式，正因如此，观者常常可以从艺术作品的材料、色彩和形状等艺术形式中与艺术家产生共鸣，体会到作品中的诗意美学。如作品《金属线》拿出一种艺术以及生活的禅意。作品静置在偌大的白墙上，极简到只有金属线条这一种元素，艺术家将金属线的一端固定在墙上，然后沿着其轮廓在墙上画下一条和金属线相仿的线条，在光的照射下出现的金属线的影子即第三根线条。这种留白以及虚实的体验给观众无尽的思考空间，虚实有无间映照的也正是观者的自身。
> 展览现场 场域的意义 在艺术创新上，理查德·塔特尔在作品规模与其呈现的环境中寻找潜能，他强调艺术和场域之间强大的联系。 艺术品的展示场域几经变迁，时至今日，几乎丧失了原本的场域的意义。理查德·塔特尔赋予场域的意义新的延伸，他将艺术品与展览场域联系在一起，观者置身展览中就仿佛置身一件完整的艺术品之中。 由最初的用来摆放希腊诸神珍宝的神殿，记录希腊神话历史语境的意义，发展至文艺复兴时期的混杂动植物和艺术品的意义不明晰的珍宝馆，乃至18世纪晚期的公共博物馆的出现，艺术品彻底失去了与场域的联系。 本次“回赠”展由理查德·塔特尔和策展人王宗孚共同策划，用33个“丛”和一件特别制作的装置共同呈现，辅以艺术家绘制的特殊符号穿插其中。这些随场域而变换了形式的作品在特殊符号的引领下，使观者完整地欣赏到由展品和场域共同组成的完整的艺术品。
> 展览现场 展览中一共呈现了一百件作品，每个“丛”中包含三件作品，塔特尔在纪录片中说，一个“丛”由一件45年前的作品、一件10年前的作品和一件2年前的作品组成。它们代表“旅程”中三个似乎有关联的瞬间，在美术馆的场域中经历了再次创作，拥有了新的含义。场域意义的实现贯穿着展览，位于主展厅的大型装置作品《繁星论》实现了与整个空间的对话。作品占据了整个主展厅，展厅的顶部为“繁星”所在的天空，悬吊着正面手制铝网，映射到地面，产生大面积的光影，展厅四周的墙壁用8层棉布堆砌。站在展厅一楼，仰望铝网，有仰望星空之感，爬上二楼后，心中又会萌生俯视星云的壮阔感，环境和作品完美的契合在一起，这时美术馆不再是作为陈列的无意义的场域。 理查德·塔特尔仿佛游吟诗人般，自得其乐地叙述着他的美学理想，却又将所有人都吸引到这纯粹为了生活而艺术的世界中。■ |
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